ジーク(舞曲)2 …8〜13 3235 彼はヴァイオリンとチェロ（あるいはヴィオラ・ポンポーザ）のためにそれぞれ1曲ずつ、 無伴奏の多楽章6曲からなる作品を作曲した。 一般的に権威のあるイタリア人は、その芸術性にもかかわらず、 常に豊かで叙情的な単旋律演奏を重視していたからだ。[679] ハーモニーを支えなければ、単旋律演奏は本来の効果の半分を失ってしまう。8 . これら2つの作品の起源については、 xケーテン時代以降に遡るということだけは確実に言える。 6つのヴァイオリン・ソロは3つのソナタと3つの組曲から構成されており、 今日バッハの6つのヴァイオリン・ソナタについて、 これはバッハ自身に過ちはなかった誤りである。9 . このx組曲はダンス曲のみで構成されており、 その前にはせいぜい︎ 前奏曲が置かれているだけなので、 この2つのジャンルの違いは明確に定義できる。 バッハが不滅の名声の冠に新たな栄冠を添えた、 この組曲という芸術形式は16世紀にまで遡ります。 その発展については、細部については不明な点が多いものの、 大まかな流れは把握できていると思います。10 . 舞踏音楽 グレサンの旋律が演奏されていたのは、 舞踏会において初めて模倣楽器に移され、 歌曲の形式を保ちつつも、独自の発展を遂げていったからである。 こうした舞踏音楽が他の楽しい機会にも聞かれることが容易に望まれるようになり、 その人気が高まるにつれて、作曲家たちは喜んでこの分野に活動を移した。 旅する音楽家たちは、最も魅力的な作品を各地、国から国へと運んだ。 1600年頃には、イタリアのパドヴァ風やガリアルド風、 あるいはロマネスク風の作品が大変人気があり、 ダルムシュタットの宮廷オルガニスト、ヨハン・モラーが1610年と1611年に出版した この種の五声の作品は、 器楽芸術がこの分野ですでにどれほど優れた成果を上げていたかを示している。 [680] さらに、ヴォルタやパッサメッツォ、バレッティやイントラデといった形式が発達した。 ドイツの作曲家たちは後者を「幕」と呼び、より壮大な舞曲を伴う、 特別な荘厳な音楽として位置づけました。 フランスの舞曲には、︎ブランルとクーラントが登場しますが、 クーラントもイタリア起源のものです。 ドイツの舞曲として登場するのはアルマンドだけです。 一般に受け入れられている名称は、明確な種類が存在しなかったことを明確に示しています。  一方、ドイツ人は外国の形式を適応させることにおいて独自性を示していました。 例えば、ドレスデンのヨハン・グローは1604年に30曲のパドゥアンとガイヤールを出版し、 序文でそれらが「ドイツ様式で作曲された」と述べています。11。 こうしたダンス・コレクションの通称は、 包括的な芸術的原理に基づいて編成されていたのと同じくらい知られていなかった。 しかし、偶数時間と奇数時間の対比が示唆するように、 パドゥアーネの後にはしばしばガリアルデが続いた。 その後、

三十年戦争が勃発した。 この戦争はドイツに最も悲惨な状況をもたらしましたが、 それでも明らかにこの地で組曲の発展を加速させた。 　ヨーロッパの文明化された民族から 最も独創的で教育しやすいダンスのタイプを選び出し、 芸術的に融合させて繁栄させるという考えは、 戦争の嵐がイタリア人、スペイン人、フランス人、スウェーデン人、デンマーク人、ポーランド人を 数十年にわたって最も激しいダンスに巻き込んだ惨事の現場で、 ある種の励ましを見出しました。 後に状況がより明らかになると、より高度な芸術形式を達成するための努力が非常に明確になります。 何よりも必要だったのは、 ピアノ奏者たちがこの問題に取り組み、舞踏曲の教育的な音楽的内容を、 荒々しいドイツの芸術的パイプ演奏の領域から、 より静かで清らかな家庭音楽の領域へと救い出すことだった。 あらゆる兆候が、このピアノ組曲の発明者はスウェーリンク派に求められることを示している。 [681] 　彼らがドイツ人であったことは、現在定着している順序、 すなわちアルマンドが最初に演奏され、続いてクーラントが演奏され、最後に新たに習得した2つの曲、スペインのサラバンドとイギリスのジーグが、組み合わせて、あるいはどちらか一方が演奏されることからも明らかである。 　ドイツ人は、19世紀初頭と同様に、自国の音楽様式と並行して、 外国の音楽を「ドイツ風に」取り入れ続けた。 　しかし同時に、舞踏音楽は当然のことながら、芸術的パイプ演奏者の間で衰退することはなく、 むしろここでも、本来の実用的目的から多少なりとも切り離されながら、活発に育まれていった。 テーブルミュージックやその他の祝祭の場で、対照的なダンスが複数繋がれるのは ごく自然なことでした。 　パドゥアンやガリアールの編纂に既にその端緒が見られたような、ある種の慣習的な手法が ここで発展したのかどうかは、今のところ不明です。 　いずれにせよ、芸術的な笛吹きたちはこうしたダンス集に共通の名称を持っており、 鍵盤楽器組曲の代表者たちもそれを採用しました。 この名称は一般的に、多くのパートから成る全体を示すものであり、 そのため鍵盤楽器の変奏曲にも使われるようになりました。 　その名称は「パルティエ」、イタリア語で「パルティータ」と呼ばれます。12。 名前のほかに、 ダンスシリーズには、すべてのセクションを通じて同じ調性に従っているという共通点がありました。外部の組み合わせによるそれらの作成により、これは自動的に実現されました。 　ドイツのピアノの巨匠によって発見された形式は、その後、コレッリとその後継者たちのイタリアの室内楽ソナタに取り入れられました。しかし、ヴァイオリンのテクニックの多様な要求とイタリア人の主に旋律的な感覚は、個々のタイプの特徴を認識できないほどぼやけさせる恐れがありました。 　主に和声の深さに関心があったドイツ人のバランスは、ここではもはや十分ではありませんでした。 フランス舞曲 鋭く発達したリズム感覚を持つ フランス人が、ダンスのアレンジメントを採用しました[682] 。 フランスの管弦楽曲は、ドイツの宮廷楽団や芸術的な笛吹きの楽団に かなり以前から浸透していました。13 そして、そこから鍵盤音楽にも影響を与えました。 実際、パッヘルベルでさえもこの音楽に没頭し、 フランス風序曲を鍵盤楽器に移調した最初の人物と言われています（122ページ参照）。 しかし、それだけでは十分ではありませんでした。 　フランス人たちは鍵盤楽器の舞曲を自ら取り入れなければなりませんでした。 しかし、 楽章の順序はすでに固定されていたため、彼らはそれを変える勇気がありませんでした。 基本的な構成は、

アルマンド、クーラント、サラバンド、ジーグで構成されています。

ただし、 序曲を加えたり、ガヴォット、メヌエット、リゴードン、パスピエ、ブーレといった独自の舞曲、 さらにはイタリア流のシャコンヌを最後に加えたり、 ジーグの前に挿入したり、シャコンヌをジーグに置き換えたりすることはありますが、いずれにしても、最も顕著なリズムに基づいています。 そして、 これが舞曲において最も重要な要素である以上、彼らがこの芸術形式に正式な名称を与えたのも当然のことです。この作品は今、組曲としてドイツに戻り、 ゲオルク・ベームに先駆され、ヘンデルも少数ながら重要な貢献を担った セバスチャン・バッハによって最高の完成度をみせました。 バッハ バッハは最終的にフランス語の名称を部分的に廃止し、 鍵盤楽器のための主要作品と前述の3つのヴァイオリン独奏組曲の両方で 「パルティエ」の名称を復活させました。 最古の多楽章器楽形式であるこの組曲はドイツの産物ですが、当時のヨーロッパの主要国のほぼすべてが、多かれ少なかれ包括的な貢献をしました。